Op art i kläder. Vi söker op art i kläder. Hur optiska illusioner skapas

Gae Aulenti

Född i Italien 1927.

Enastående arkitekt och designer.

På 1960-talet blev hon berömmelse som designer och skapade flera slående verk. Det populära konceptet med kinetik återspeglas i bordsdesignen Tour Fontana Arte (1970).

Tillsammans med Piero Castiglioni utvecklade Aulenti 1985 Cestellos ljussystem. I utseendet på dessa kraftfulla och unika lampor kan man också gissa funktionerna hos op art.

Dessutom har de designats speciellt för utställningshallar och museer.

Utveckling av blomvaser

Shiro Kuramata (1934-1991)

Den japanska designern och hans landsmän var på många sätt en generation av enastående designrevolutionärer.

1970 skapar han en ovanlig form för en byrå och kallar sin skapelse Drawers in the Irregular Form.Tekniken var komplex, så bara 18 år senare började Capellini tillverka den.

Stolen How high is the moon designades 1986 och har ett mycket poetiskt namn - "How high is the moon". Mesh är Kuramatas favoritmaterial. Cellernas kalla glans påminner om månens nattljus.

Andra namn (att säga att dessa skapelser i större utsträckning påverkades av op-art är djärvt. Kanske den optiska konstens tekniker kommer till uttryck här, men inte själva 60-talets rena stil).

A. Taylor. Butterfly soffbord

Och till sist, mitt favoritämne

På 60-talet strävade unga människor efter frihet och frigörelse. Från och med nu ville pojkar och flickor se ljusa och extravaganta ut. En skarp kontrast av svarta och vita fläckar, ett uppseendeväckande tryck - allt detta lämnade ett oförglömligt intryck. .

De kanske mest ivriga beundrarna av opart var mode.

Mode - eller på annat sätt "modernister" - som den första subkulturen dök upp i London i början av 60-talet. De kännetecknades av överdriven ställning, att åka skoter genom Londons gator och positionera sig som människor med en unik smak. Mods var de första att lära sig om det senaste inom design, musik och konst, och ansåg att det var sin plikt att omge sig med snygga saker.

Op-art var ett favorittema för engelska killar. Originalfoton av mods. 60-tal

Mod-stilen är fortfarande enhälligt erkänd som sextiotalets stil, uttryckt i kläder.

Modestilen är internationell. Den är också populär här i Ryssland. Det finns roliga modefester i Moskva, som endast är tillåtna i kläder i sextiotalets stil.

60-talet förknippas med namnet på modedesignern Mary Quant. En ung engelsman, som rörde sig i Londons stilfulla ungdomars kretsar, kände akut tidsandan, hon förkroppsligade alla de bästa trenderna inom fashionistas kläder i sina modeller. Även om det nya modet - mycket korta klänningar och kappor, geometriska mönster och platta skor - faktiskt bara designades för unga och smala, så klädde sig alla kvinnor på detta sätt i slutet av 60-talet.Ungdom har blivit en kult.

Kändisfrisören Vidal Sassoon gör Mary Quants trendiga frisyr

Bazaar är Mary Quants första klädbutik i Londons prestigefyllda Chelsea-distrikt

Mary Quant använde från början ett verkligt mönster i sina modeller.
Stora kontrastmönster var bäst lämpade för raka och A-linje klänningar.

Samtidigt pågår The Who, en kultgrupp bland mods, och The Responsive Eye-utställningen i Amerika.En omedelbar sammanslagning av amerikanska och europeiska kulturer ägde rum. Op art har nu blivit väldigt populärt bland europeiska fashionistas.

1966 uppfann Scott Paper Company pappersklänningen, tänkt som ett marknadsföringsverktyg i reklam.För en dollar kunde kvinnor köpa en klänning och även få rabattkuponger för företagets produkter. Pappersklänningen, formlös och oattraktiv, var inte en uppfinning att behandlas på allvar, men kvinnorna överraskade företaget genom att beställa en halv miljon av dessa klänningar på ett år.

Optiskt mönstertryck är en av de mest populära designerna på pappersklänningar.

Bridget Riley och Victor Vasarely hade motsatta åsikter,
när det gällde att kommersialisera deras arbete. Medan Vasarely ansåg att op art borde vara tillgänglig för alla och konstnärer till och med borde samarbeta med textilföretag, reagerade Riley irriterat över att hennes verk användes i kommersiella syften. Hon trodde att hennes konst höll på att förvandlas till "vulgära trasor" och uttryckte en gång offentligt sin indignation över ett varumärke i New York. Hon lämnade in en stämningsansökan, men misslyckades.

Kanske var textilarbetarna de första som uppskattade den nya konsten. Tygföretag anlitade unga konstnärer för att designa trendiga mönster. Nya möjligheter med syntetmaterial (transparens, glans, plastmaterial), dess optiska egenskaper gjorde det möjligt att bättre uttrycka modetrender.

Barbara Brown.
Ritning för tyg "Expansion". Heals sällskap. 1965

På 60-talet dök den berömda svart-vita teckningen av en cell upp, som vi kallar "kycklingfot." Faktum är att cellens struktur består av modulelement som i kontur liknar en fågels fotavtryck. Detta mönster är fortfarande relevant idag och används ofta i klassiska högkvalitativa kläder. Den pryder även förpackningen av Miss Dior toalettvatten från Christian Dior.

Kanske var det op artens motiv som påverkade stilen hos varumärket Missoni. Det italienska företaget grundades 1953.

Designers av House of Missoni älskar att leka med temat op art i utvecklingen av textilier.

Op art en gång i mitten av 1900-talet orsakade chock och överraskning. Nu har det blivit en klassiker och många designers hittar nu inspiration i dess svartvita abstraktioner. Hela samlingar av kläder är dedikerade till denna fantastiska konst.

Modeller från höst-vinterkollektionen 2009-10 av den unga designern Kashio Kawasaki är dedikerade till Bridget Rileys arbete.

Den ryske designern Vyacheslav Zaitsev gillar att ta upp ämnet op art.
Flera modeller från vår-sommarkollektionen 2009 presenterades
vid den ryska modeveckan i Moskva.

Vad är op art stil i kläder?

Han verkar leka med dig, provocerande, underhållande, vilseledande. Dessa bilder skapar en illusion, man ser något som inte riktigt finns där.

På 1960-talet, med tillkomsten av de så kallade modsna, snubbarna och deltidshuliganerna som imiterade stilen från den gyllene ungdomen på 1920-talet, började ungdomssubkulturer för första gången påverka de viktigaste kultur- och modetrenderna, ungdomen ville se ljus och extravagant ut, strävade efter frihet och frigörelse. Unga människor var de första att lära sig om det senaste inom design, musik och konst och ansåg det som sin plikt att omge sig med stilfulla saker.

Op art style - bildningens historia

Op-art var ett favoritämne för engelska dandies. Denna typ av konst skapades av en passion för de exakta vetenskaperna, cybernetik, ny teknik och upptäckter inom området mänsklig perception. Op-art verk baserades på ljuseffekter och färgkontrast. Genom att kombinera enkla geometriska former och kromatiska färger uppnådde konstnärerna effekten av ett boende.

Trots att den grafiska illusionen fick tittarna att känna sig lite yr, blev denna typ av konst intresserad av modevärlden. Modedesigners började aktivt låna idéerna om opart, överföra ränder, rutor, spiraler, cirklar och andra geometriska former till kläder och accessoarer. Enkelheten i snittet av raka A-formade eller åtsittande klänningar i ett stycke kompenserades av invecklad svartvit grafik. Tygföretag anlitade unga konstnärer för att designa trendiga op-art-designer för kläder. Den skarpa kontrasten av svarta och vita fläckar, teckningen som väcker uppmärksamhet - allt detta lämnade ett oförglömligt intryck, det stack ut från mängden på bästa möjliga sätt. Och syntetens nya egenskaper - dess transparens, briljans, plasticitet - gjorde det möjligt att på bästa sätt uttrycka modetrender.

1960-talet förknippas med den opartade modedesignern Mary Quant. En ung engelsman som rörde sig i Londons stilfulla ungdomars kretsar var mycket medveten om tidsandan. Hon förkroppsligade alla de bästa trenderna i fashionistas kläder i sina modeller. Även om det nya modet i huvudsak - mycket korta klänningar och kappor, geometriska mönster och platta skor - endast designades för unga och smala, klädde sig alla kvinnor på detta sätt i slutet av 1960-talet. Ungdomen har blivit en sekt.

Op-art stil i moderna kläder

Att rita i stil med op-art lockar fortfarande ögat, ger puls och dynamik till bilden av hela kostymen, väcker livliga känslor. Han klev över alla sociala gränser och blev ett sätt att uttrycka sig själv.

Idag kännetecknas svartvit grafik av mer raffinerad design, ibland mycket komplex. Det enklaste i stilen med opart i kläder är ärtor i olika storlekar och alternativ, antingen svart på vitt eller vitt på svart. Mer komplexa accepteras - en mängd olika vågor, fläckar, stjärnor, fläckar, ringar.

Den berömda svartvita teckningen av buren "kycklingfot" eller "hundens tand", som dök upp på 1960-talet, är fortfarande aktuell idag. Det används ofta i klassiska högkvalitativa kläder. Prydnaden består av modulära element som liknar en fågels fotavtryck eller en hunds huggtand. Detta mönster pryder förpackningen till Miss Dior eau de toilette.

Ett separat tema i op-art-stilen är ett blommönster i svart och vitt. Komplex form, noggrant spårade svarta knoppar och blommor ser elegant ut på en vit duk (mindre ofta - vita blommor på en svart duk). Den har både dekadens och en modern touch av högteknologi och en referens till det romantiska Napoleonska Frankrike. Samtidigt kan hela utrymmet för tyget i op-art-stil täckas med små detaljerade mönster, eller kanske bara en stor accepteras - en enorm blomma av okänd natur, men med ett förvånansvärt komplext mönster av kronblad och ståndare. Kombinationen av ränder, prickar, rutor och komplexa blomsterdekorationer i en modell kan också betraktas som avantgarde. Ibland verkar det vara lite överdrivet, men för chockerande kommer sådana kombinationer att vara användbara.

Op-art-stilen i kläder har överlevt fansens tid - konst och mode på 1960-talet köper originalsaker till sig själva i second hand-butiker, aktier, vintageklädesbutiker och loppmarknader.

Op art stil - bilder

mystiskt

Bilden av denna mystiska kvinna är av intresse för andra, oavsett ålder, kön och position. Män och kvinnor tittar med intresse på den som personifierar mysteriet. Hon är ett mysterium, som är omöjligt att lösa i princip, men alla vill verkligen göra det. Hon förhäxar med sin skönhet och ogenomtränglighet, som om hon lindar in dem som är i närheten med ett osynligt nät, från vilket få kan fly.

Färger i kostymensemblen: svart, vit, mörkgrå mystiskt lömskt magisk

romantisk

En svårfångad och drömsk bild i stil med op art. Hon öppnar sig sällan för en annan person och föredrar att förbli en charmig främling. Naturlighet och lätthet hindrar henne inte från att en gång för alla avgöra om hon ska fortsätta att kommunicera med en viss person eller inte. Livet är intressant för henne, men hon behandlar det inte som ett spännande spel, utan, som det var, observerar det och sig själv från sidan. Hon bara lever och jämför vitt med svart, och väljer det bästa för sig själv. Och behöver inte andras råd och hjälp.

Färger i kostymensemblen: vit, svart, ljusgrå romantisk subtilt mystisk

Fri

Bilden i stil med op-art kännetecknas av rebelliska stämningar. Den försöker motsätta sig de normer som verkar felaktiga och föråldrade. Hon är med dem som är i minoritet, men samtidigt känner hon sig inte som en utstött. Snarare är hon den utvalda. Hon kommer aldrig att dra uppmärksamhet till sig själv för uppmärksamhetens skull. Hon försöker sticka ut för att inte dra uppmärksamhet till sig själv, utan för att betona idén om vilken hon är en anhängare. Färger i kostymensemblen: vit, svart, mörkgrå informellt avantgardistisk oberoende

Elegant

En oväntad, kvick, lockande lekfull och otroligt estetisk bild. Med sitt utseende ger hon lätthet och ett leende, samtidigt som hon behåller en viss självständighet och avskildhet. Hon är säker på sina förmågor, förmågor och övertygelser. Kläder skiljer henne från mängden, håller fast hennes blick. Hon visar olika aspekter av hennes komplexa natur, varje gång framstår hon som en helt annan personlighet i opartstilen.

Färger i kostymensemblen: svart, vit, ljusgrå casual snygg effektiv

Sextiotalet blev ett decennium av ungdomssubkulturer, excentrisk "papper" och "plast" mode och minimalism. Europeiska och amerikanska tonåringar protesterade mot sina staters politik och visade en negativ inställning till konsumtionssamhället med hjälp av begagnade kläder. Att ignorera designermodeller av unga hindrade inte den högprofilerade debuten av Yves Saint Laurent och Valentino Garavani, som också kom till det "galna sextiotalet". "Om du kommer ihåg 60-talet, så levde du inte då," sa Dick Wolfe, producent av The Doors.

"Ju galnare desto bättre!"

Den kanske mest extravaganta modetrenden på 1960-talet var rymdstil. År 1961, och detta påverkade inte bara utvecklingen av vetenskap, utan också mode. Designerna inspirerades av de nya perspektiven och började skapa bisarra, "främmande" modeller. En pionjär inom "rymdmodet" var designern André Courrèges, vars fans bar moon boots och solglasögon formade som tennisbollar. Courrèges skapade korta, barnlika klänningar och prydde dem med gnistrande paljetter och ovanliga accessoarer.

För sådana modeller visade sig konstgjorda snarare än naturliga material vara mer lämpliga - syntet, plast, vinyl. Modedesigners dekorerade klänningar med vinylskivor och fäste baddräktselement med dem. Metall användes också som material. Naturligtvis slog glänsande overaller, bisarra hjälmar och ögonskydd inte rot på gatorna, men catwalks vid den tiden var fulla av ovanliga "rymd"-modeller, som skapades av kända modedesigners och.

Modet för syntetfibrer växte gradvis till en trend att skapa kläder av material som tidigare använts för helt andra ändamål. Designers experimenterade med material för rymddräkter, sportkläder och militäruniformer. Modeller gick på catwalken i vinyl och dacron, som mot bakgrund av det konservativa parisiska modet från tidigare decennier såg superoriginal och till och med revolutionerande ut. Excentriciteten hos de outfits som designarna föreslagit ansågs vara ett plus - för många gick 1960-talet under mottot: "Ju galnare - desto bättre!" Tillsammans med "plast"- och "vinyl"-trenden flödade "pappersboomen" även i modevärlden under denna period.

1966, i USA, började Scotts fabrik att tillverka kläder utöver hushållsartiklar av papper. Pappersmodeller var av två färger - svart och vitt och gul-svart-rött. Samlingen kallades "Explosion of Color" och rekommenderades att bytas ut med sax och repareras med hjälp av ett papper. Det var möjligt att bära en sådan klänning upp till fem gånger, och modeller av "pappers" mode såldes i specialbutiker. Tillverkare presenterade de nya kostymerna som förkroppsligandet av en lysande innovativ idé och ett verk av modern konst.

Efter att ha fångat en ny trend inom massproduktion började designers skapa pappersmodeller. "Paper couturiers" journalister och allmänheten dubbade Eliza Debbs och Harry Gordon, som producerade klänningar för tre dollar styck. Alla designers var dock inte så demokratiska - ofta kunde priserna på pappersmodeller jämföras med couture-outfits. I New York, på Madison Avenue, öppnade butiken Parafenaliya, som säljer trendiga plast- och papperskläder. "Den som behandlar kläder med patos är äckligt. Det här är trots allt bara kläder. Det ska vara roligt, det kan inte tas på allvar," sa Paul Young, en av grundarna av "Paraphenalia", stämningen bland ungdomarna, medgrundare av kultbutiken var.

Konst i mode

Mot bakgrund av populariteten för målningarna "Gröna Coca-Cola-flaskor" och "Cans of Campbell's Soup", började Warhol överföra sina berömda teckningar till tyg. "Campbell". Andra designers använde också popkonstmönster i sina modeller, vilket gjorde den upprepade överföringen av välbekanta föremål på tyg till en av de mest slående modetrenderna på 1960-talet.

Om filmens inflytande på mode kändes under tidigare decennier, penetrerade målningen modeindustrin bara på sextiotalet. En annan trend som i stor utsträckning återspeglades i masskläder var op-art-stilen. Målningar gjorda i denna stil baserades på ljuseffekter och kontrasten mellan svart och vitt. Trenden att uttrycka mänskliga känslor genom optiska effekter började på 1950-talet, och blev utbredd i mitten av 1960-talet. Svart-vita kontrasterande dukar gjorde ofta publiken yr, och op-art-stilen lockade modeskapare med sin grafiska enkelhet och nyhet. Typiskt var sådana klädmodeller av ett enkelt snitt, vilket dock mer än kompenserades av de förvrängda geometriska figurerna avbildade på tyget, stiliserade cirklar och monokroma spiraler och ränder. "Den nya vågen av ritning på tyg kallades op-art. Modern arkitektur och måleri blir grunden för design. Det finns inga spår av romantik", skrev tidningen Neue Mode 1966.

Det nya, något excentriska modet var extremt populärt bland tonåringar. Bland de modeskapare som inspirerades av nya trender inom måleri var Larry Aldrich, Andre Kurrezh,. Den senare presenterade 1965 för allmänheten en samling baserad på verk av Piet Mondrian, en av grundarna av det abstrakta måleriet. Modedesigners erbjöd ett stort utbud av galna accessoarer och färgkontraster, men det var motståndet mot svart och vitt som blev en riktig hit under decenniet. Sedan 1960-talet har designers ständigt hämtat idéer från andra konstformer och därmed bekräftat att skönhet inte är en konstant kategori, utan en variabel.

"Radikal chic" och stilen på subkulturer

Tillsammans med världens modehuvudstäder Paris och Milano började London diktera sin stil på 1960-talet. Ledande publikationer kallade den engelska huvudstaden ett nytt centrum för stil och mode, och brittiska designers, i trots av det konservativa Paris, erbjöd extravaganta modeller som blev en riktig symbol för årtiondet.

Efter andra världskrigets slut och efter att ha övervunnit krisen började den finansiella situationen i europeiska länder att förbättras. Unga människor ägnade mer tid åt musik, filmer och annan underhållning. Så det amerikanska modet för jeans och läderjackor penetrerade London-stilen, och emigranter från de tidigare brittiska kolonierna förde västra Indiens stil till Englands huvudstad. En ny riktning, bildad under inflytande av en mängd olika trender och kulturer, var främst inriktad på tonåringar. På Londons gator på den tiden kunde man träffa både unga människor i etniska kläder och "rebeller" i T-shirts och slitna jeans. 1966 publicerade Time Magazine en artikel med titeln "London is the City of Swing". I slutet av årtiondet dök filmer upp på filmduken som speglade den revolutionära andan från den perioden: "Blowup" av Michelangelo Antonioni och "The Spectacle" av Nicholas Roeg. Samtidigt dök Carnaby Street, som har blivit en kultplats för "swinging London", butiker. På 1960-talet erbjöd butiker revolutionerande design till unga människor, och denna gata blev känd över hela världen som ett centrum för oberoende mode.

Femtiotalets rebelliska stämning vandrade in på sextiotalet. Under denna period klädde sig även tonåringar från rika familjer i begagnade kläder, vilket betonade sin exklusivitet och protesterade mot konsumtionssamhället. Marknader med retrokläder blev populära i stora städer, tonåringar var inte rädda för att kombinera gammaldags saker från olika epoker, inte bry sig om mode. Medan rika ungdomar visade sin subkultur genom att medvetet bära gamla kläder, för tonåringar från fattiga familjer, blev denna trend en möjlighet att anpassa sig och inte spendera pengar. Den rebelliska andan förlöjligades dock av många journalister som kallade stiliserad fattigdom ett hån mot verklig fattigdom. Den amerikanske författaren Tom Wolfe talade om unga människor som nyckfulla barn som leker revolution, och kallade själva klädstilen "radikal chic". Modedesigners, som försökte behaga de förändrade smakerna, började skapa modeller i stil med 30- och 40-talen, men designkläder i retrostil var inte särskilt populära - motkulturen ignorerade mode.

Avslaget på damstilen och alla populära trender under tidigare decennier ledde till den mest slående och massiva rörelsen under andra hälften av sextiotalet - hippies. Främjar kärlek och fred, inte håller med om deras staters politik, "blomsterbarnen" klädda i exotiska kläder från andra länder: en sydamerikansk poncho, indiska tunikor och eskimåhuvudbonader. Ljusa och rikt broderade hippiedräkter kompletterades med massiva smycken - främst indiska armband och bälten. Hippiefilosofin har blivit så populär att många modedesigners har förklarat funktionalismens nedgång. "I motsats till den romantiska stilen och jugendstilen njuter folkloristiska och sportiga stilar, tillsammans med färgglada mexikanska kläder, extraordinära framgångar idag", skrev tidningen Neue Mode. Ovanliga, ljusa och attraktiva indiska motiv fångade hela Europa och Amerika på 1960-talet, och unga människor bar nu yeti-jackor, färgglada kjolar, utsvängda byxor, turkiska byxor, broderade skjortor och långa pälsrockar. Trots att representanter för subkulturer själva var skeptiska till mode, skrev glansiga publikationer att den nya stilen förtjänar stor uppmärksamhet och kan ha en allvarlig inverkan på modeindustrin.

I slutet av årtiondet försvann ljusa psykedeliska kläder gjorda av konstgjorda material i bakgrunden, och den militära stilen blev en riktig hit. Användningen av militära föremål i vardagen var också en sorts protest som följde på protesterna som svepte över Europa 1968: på så sätt försökte unga ge kläder avsedda för strider en fredlig karaktär. Kamouflage med grova fläckar dekorerades med symboler för fred, kjolar och skor i militärstil målades i rött och rosa. Representanter för olika subkulturer bar sådana kläder, och extra stora jackor med symboler för amerikansk flygflyg var särskilt populära. Samtidigt började modedesigners experimentera med olivgrönt, kallat khaki.

Trenden mot minimalism och decenniets främsta symbol

På 1960-talet blev kläder gjorda av elastiska tyger utbredda. Tanken att det är obekvämt att ha många saker i garderoben och att kvinnor lätt klarar sig med bara några få basmodeller besökte modedesigner redan på 1930- och 1940-talen. Claire McCardell föreslog 1934 att ersätta alla olika stilar och modeller med några grundläggande element, och i början av nästa decennium var hon den första att skapa trikå - långärmade strumpbyxor - och gjorde den till grunden för bilden. Modedesignern ansåg att en svart turtleneck och strumpbyxor var de grundläggande garderobsartiklarna. Tanken på att kombinera några enkla saker blev riktigt populär på sextiotalet, när kvinnor ombads att bara ha en topp, jacka, kjol och byxor i sin garderob.

Minskningen av mängden kläder till ett minimum under denna period möjliggjordes av tillkomsten av elastiska tyger. På 1960-talet började modedesignern Giorgio di Sant'Angelo leta efter nya sätt att skapa tyger. Han arbetade med ull och akryltråd, och uppfann även elastiskt siden som kunde sträcka sig åt alla håll. Både badkläder och kvällstoppar syddes av elastiskt siden och lycra. Kostymdesigner Jacques Fonterey skrev 1968: "Jag är säker på att strumpbyxorna eller en av dess varianter kommer att bli huvudelementet i framtidens kläder." Fonterey visade sig ha rätt: det var 1960-talets elastiska modeller som fungerade som grunden för skapandet av moderna kläder - från träningsoveraller till aftonklänningar.

1960-talet var ytterligare ett decennium som helt förändrade idén om normerna för kvinnlig skönhet. Om efter kriget modedesigners fokuserade på mödrar i familjen och kvinnor med former, kom androgyni igen på modet på sextiotalet, och den berömda blev en symbol för nya standarder för attraktionskraft. En smal tonårstjej med naivt öppna ögon dök upp på omslagen till ledande glansiga publikationer, och tjejer runt om i världen började följa strikta dieter och ville vara som sin idol. Twiggy blev den första modellen vars bild förkroppsligade årtiondets ideal, modedesigners skapade kläder för mycket smala tjejer med pojkaktiga figurer. I modetidningar och affischer dök hon upp i minikjolar och Mary Quant-klänningar och förkroppsligade "dockan"-stilen som var extremt populär på 1960-talet. Tillsammans med fansen hade Twiggy också dåliga önskemål - många journalister kallade henne en smärtsamt smal och "hungrig" tjej, men detta hindrade inte spridningen av androgynt mode - på sextiotalet gick män ofta med långt hår, och unga kvinnor föredrog korta hårklippningar och miniklänningar, vilket uttrycker en ovilja att växa upp.

Högprofilerade debuter på 1960-talet

Sextiotalet var början på en lysande karriär, som högljutt deklarerade sig i början av decenniet. 1957, efter Christian Diors död, tog 21-årige Saint Laurent över som kreativ chef för House of Dior. Men redan 1960 skapade den unga modedesignern sin sista kollektion för varumärket: Dior-chefer beslutade att den unga designern inte hade rätt att påtvinga high fashion-fans streetstyle och sa adjö till Saint Laurent. Två år senare släppte couturier den första kollektionen under eget namn, för vilken han skapade en dubbelknäppt kavaj med guldknappar och sidenbyxor. Senare använde modedesignern själv och många andra designers denna modell.

Yves Saint Laurent var en av de första modedesignerna som inte var rädda för att skapa revolutionerande kläder i stil med opart och popkonst, och föreslog också en smoking för kvinnor och kläder i stil med "Afrika" och "Safari". Han kombinerade djärvt de ljusaste färgerna, kompletterade en varm rosa klänning med en kanariejacka, kombinerade svart med brunt, orange med rött och lila med blått.

En annan högprofilerad debut av årtiondet är utseendet i modevärlden av den italienska "schickens chic" Valentino Garavani. Utbildad i Paris återvände han till sitt hemland Italien i slutet av 1950-talet, där han öppnade ett couture-hus som förde till världen de ikoniska signaturröda klänningarna. Ljusa klänningar blev Garavanis "visitkort", och designern urskiljde trettio nyanser av rött. Valentinos högprofilerade internationella debut ägde rum 1962, och 1968 släpptes hans berömda "vita kollektion", som helt bestod av vita föremål. Samtidigt använde modedesignern först "V"-logotypen. Feminina klänningar från Valentino blev symboler för lyxigt liv, och Hollywoodstjärnor översvämmade couturier med beställningar. 1968 kom en spetsklänning från Garavani, där hon gifte sig med Aristotle Onassis, på sidorna i nästan alla ledande publikationer.

Op art(från det engelska begreppet optisk konst) - skapandet av illusionen av rörelse på en plan yta genom geometriska former. När man skapar kläder i op-art-stilen används ljusa färger som kontrasterar mot varandra.

Utseendehistoria

1938 presenterade Victor Vasarely sin målning "Zebror", som blev det första kultverket i op art-stilen. Samtidigt användes det nya geoprintet för första gången på Hermes modehus väskor, men stilen fick sin slutliga popularitet först 1965, när verken i den presenterades i New York på utställningen "The Responsive Eye".

Samtidigt vände Yves Saint Laurent sin uppmärksamhet till det geometriska trycket, som släppte en samling cocktailklänningar med en rak siluett med ljusa stora celler. Dessa klänningar hade det vanligaste och enklaste snittet utan ärmar och krage. Namnet på klänningen var för att hedra inspiratören - "Modrian".

Den stora couturiern följdes av: skaparen av minikjolar Mary Quant, Larry Aldrich, Andre Courrège - de släppte alla klänningar och accessoarer med ovanliga geometriska tryck och former i op art-stil. Samtidigt med utgivningen av samlingarna av dessa designers började modetidningar skriva ut bilder på sina sidor i kläder med mönster av rutor, trianglar och romber. Geometriskt tryck i olika varianter erkändes som en symbol för årtiondet.

År 2001 var det ett återupplivande av detta tryck. Op-art i kläder dök upp på franska Vogues sidor. Tio år senare började modedesigners massivt använda denna stil i kläder. Klänningar med geometriska mönster presenterades av alla de ledande modehusen, och modedesigners som arbetar under varumärket Louis Vuitton broderade klänningar med till och med flerfärgade stenar.

Med vad och hur bär man op art kläder?

Det bästa sättet att se snygg ut är att kombinera op art i kläder med enkla garderobsartiklar. Så du överbelastar definitivt inte din bild med aktiva utskrifter och färger.

Om du har en naturligt utvecklad känsla för stil, kan du kompetent blanda olika geometriska tryck i en look eller bära op-art-kläder tillsammans med blom-, orientaliska och djurmotiv. Om du vill skapa en trendig look med två geoprints, håll dig till regeln om en färg: båda föremålen i garderoben ska ha minst en gemensam nyans.

Visuellt kan sådana kläder dölja nästan alla figurbrister, sträcka siluetten och ta bort överskottsvolymer. Ju enklare saken är skräddarsydd, desto bättre kommer den att se ut. Vid val av op-art-kläder krävs en obligatorisk passning. Med dess hjälp kan du utvärdera hur bra bilden ser ut.

Mode är vackert och fantastiskt eftersom det ibland är helt oförutsägbart. Denna egenskap har alltid gjort henne relaterad till den kvinnliga naturen. Och även om de flesta av de berömda trendsättarna är män, var kvinnor de första att plocka upp alla sina nyheter och otroliga uppfinningar. i detta avseende var de mycket betydelsefulla, eftersom det var då som många nya ovanliga stilar dök upp som vände idén om mode, femininitet och stil. Människor blev mer och mer fria att välja sina kläder, och viktigast av allt, att uttrycka sig med deras hjälp. Op art stil dök upp just på 60-talet och gjorde med sitt utseende ett stänk.

Det kan inte förväxlas med andra stilar, eftersom även den visuella uppfattningen skiljer sig från allt du har sett tidigare. Op art style (förkortad version optisk konst -optisk konst) kom på modet från den självbetitlade trenden inom bildkonsten. Dess grundare anses vara en parisisk konstnär av ungerskt ursprung. Victor Vasarelli(1908 - 1997). De säger att det i hans målningar finns någon speciell musikalitet. Färgerna, färgsättningen som han använde kan jämföras med den musikaliska sidan. Vasarelli använde en speciell tryckteknik, och applicerade upprepade gånger lager av färg med en stencil. Resultatet blev en tavla. De flesta av Vasarellis målningar är en optisk illusion med vilken han skapade ett tredimensionellt rum. 1938 publicerades ett av hans mest kända verk i op-art-stilen "Zebras".

Den största skillnaden i denna stil är användningen av olika visuella illusioner baserade på uppfattningen av platta och rumsliga figurer. Om bilden du ser svävar framför dina ögon eller sprider sig åt olika håll är detta inget annat än en optisk illusion.

En sorts spelplan, som man kan tänka sig länge, komma in i en sorts "tredje värld". I optisk målning är enkla element av samma typ anordnade på ett sådant sätt att de desorienterar ögat och förhindrar bildandet av en integrerad struktur.

"Ren färg och ren form kan innehålla hela världen." Victor Vasarelli.

Linjer, trianglar, kvadrater, cirklar, romber och andra geometriska former är grunden för denna riktning. De flätas samman och korsar varandra, kombineras på ett otroligt sätt, skapar nya former och fascinerar ögat. Det galna 60-talet tog upp allt nytt och ovanligt i farten. Fria, futuristiska trender passar lätt in i verkligheten och återspeglades naturligtvis i modet. Inte alla designers gillade det, men de som vågade lägga till oväntade färger på kvinnliga bilder togs emot med råge! Dessa originaltryck används i deras samlingar , Larry Aldrich.

American plockade alltid upp de mest vågade idéerna och hjälpte till att främja nya trender bland sina läsare. Amerikanska designers var de första som tog med op-art-stilen till världens catwalks.

Efter 60-talet var opartstilen inte alltid på toppen av popularitet, men då och då upplever den nya födslar. Designers tar med moderna anteckningar till det, vilket gör det relevant idag.

Op art kan vara svart och vit, eller så kan den leka med alla regnbågens färger, allt beror på humöret. Rätt vid första anblicken får figurerna surrealistiska former på en timme. Denna stil kombinerar tydlig matematik och fantasifullt tänkande. Den passar perfekt in i den tekniska utvecklingens tidsålder. Kläder i op art stil kännetecknas av användningen av tyger med geometriska mönster, abstrakta ornament, ljusa, rika, kontrasterande färger. Det bör inte vara ett komplext snitt, eftersom det med sådana utskrifter blir svårt att se det.

Om det finns en sak i den här stilen i kostymen, är det bättre att välja en annan i ett monokromatiskt intervall för att inte avbryta intrycket av bilden. Och om det här är en klänning, är tillbehören som är matchade med den också bättre att ta mer lugna. Ljusstyrkan ska vara måttlig, inte flashig. Det gäller vardagsbilden, som skiljer sig från catwalkversionen, catchy och upprörande.

Tygerna som används är mycket olika, från täta, behåller sin form till lätta och luftiga. Många välkända varumärken vänder sig till denna stil, som t.ex Marc Jacobs, Louis Vuitton, Michael Kors och andra.

Det råder ingen tvekan om att detta inte är en tråkig stil, men glöm inte att det inte är lämpligt överallt. Det kan knappast användas på jobbet, annars kan dina kollegor känna sig yr inte av jobbet, utan tittar på dig). Men om du behöver göra en hypnotisk effekt på en förhandlingspartner, klädd i en outfit i op-art-stil, kan du vara 80% säker på din seger i förväg.

Snarare är det samma kläder för rekreation, promenader och en aktiv livsstil, eftersom ritningarna i sig bidrar till detta. Om du vill se ljus och mystisk ut, för att locka andras ögon, klä dig i den här stilen. Kreativ fest, att gå på en konstutställning, att resa är lämpliga tillfällen för opart.

Berätta för dina vänner om denna geometriskt fascinerande stil, kanske det blir en ny upptäckt för dem?

Och för den som läst artikeln till slutet, en liten present). Jag uppmärksammar dig på ett roligt klipp där du kan se hundra optiska illusioner.

Prenumerera på nyheterna och lär dig ännu mer intressanta saker!

Ta reda på ännu mer intressanta saker: